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May 17, 2023

¿Qué hace que una pintura abstracta sea buena?

Frank Bowling, Passtheball, 2022. © Frank Bowling. Foto de Anna Arca. Cortesía

Frank Bowling, Passtheball, 2022. © Frank Bowling. Foto de Anna Arca. Cortesía del artista y Hauser & Wirth

Vivian Springford, Sin título (Tanzania Series), 1971. Cortesía de Phillips.

Pregúntele a un curador, artista o especialista en una casa de subastas qué hace que una pintura abstracta sea buena, y le responderán con una pregunta diferente: ¿Qué cuenta como una pintura abstracta? Los pintores contemporáneos a menudo abstraen algo (una figura, un paisaje, una fotografía, algún precedente histórico del arte, pintura o lienzo en sí) y pocos artistas hoy en día aspiran a una fidelidad realista completa. Las formas sugestivas o representativas aparecen en las obras de arte que podríamos etiquetar rápidamente como "abstractas", mientras que las pinturas que nos inclinaríamos a describir como "figurativas" con frecuencia se invierten en mucho más que la cosa, la escena o la persona que representan ostensiblemente.

Sin embargo, el etiquetado estético puede ayudarnos a comprender las prácticas artísticas individuales y las tendencias en el mundo del arte en general. Por ejemplo, Artsy descubrió recientemente que las pinturas abstractas son más importantes para las ventas en galerías. Las casas de subastas agrupan lienzos modernos y contemporáneos para establecer paralelos fructíferos entre artistas del pasado y del presente. Mientras tanto, los curadores presentan exposiciones de abstracción contemporánea para explorar el estado actual de la pintura. Los propios pintores pueden tener un conjunto de criterios completamente diferente. Estos intereses dispares le dan color al mundo del arte y hacen que una pregunta como "¿Qué hace que una pintura abstracta sea buena?" ambos imposibles de responder e infinitamente atractivos.

Una nueva exposición en la galería londinense de Gagosian, "To Bend the Ear of the Outer World: Conversations on Contemporary Abstract Painting", sugiere que el mejor enfoque es el diálogo abierto. La muestra incluye pinturas de más de 40 artistas que trabajan en América y Europa. El curador Gary Garrels compartió su propia concepción de la abstracción, que impregna la muestra. Las pinturas abstractas hablan en sus propios términos, dijo, "sin abordar cosas que son externas a la pintura en sí. No hay historia, no hay narrativa, no hay icono".

En el ensayo del catálogo, Garrels explicó que este enfoque permite a los artistas "explorar la más amplia variedad de expresiones visuales". La abstracción les permite "comprometerse más plenamente con la subjetividad, la expresión emocional, el adorno decorativo, las metáforas complejas, la conexión espiritual y la investigación filosófica. Exigen que el espectador esté en el momento presente, mientras inspira ensoñación y una apertura de la mente y la imaginación".

Vista de instalación de "Para doblar la oreja del mundo exterior - Conversaciones sobre pintura abstracta contemporánea" en Gagosian, 2023. Foto de Lucy Dawkins. Cortesía de Gagosian.

Dentro de la exposición abundan las contradicciones. Night Sky #22 (2015–18) de Vija Celmins es tanto una pintura negra llena de puntos y manchas como una representación de un cielo nocturno estrellado, aunque definitivamente no se trata del cosmos. persian mare mars (2022) de Suzan Frecon presenta volúmenes masivos de tonos brillantes y sólidos, pero la artista insiste en que sus obras están "llenas" de contenido. En el catálogo, anotó: "Paisaje, arquitectura, seres humanos y su conciencia: está todo ahí, pero no es una representación". Para crear Rainbow Waterfall #6 (2022), Pat Steir se basó en la gravedad y el azar para dejar que la pintura roja, amarilla y verde goteara sobre un lienzo naranja, cuestionando la intención del autor en el trabajo.

¿Qué hace que estas obras y sus pares dentro de la exposición sean "buenas"? "Una pintura realmente buena no se puede resolver fácilmente", dijo Garrels. "Lleva tiempo. Quieres volver y mirarlo, mirarlo más. Quiere tu atención". Una pintura que ves y amas de inmediato, agregó, "probablemente carece de poder de permanencia". Si bien Garrels cree que esto es cierto para toda la pintura, es especialmente cierto para la abstracción. También aboga por el "conocimiento": cuanto más mires el arte, más experiencias tendrás con la pintura y más preparado estarás para evaluar y comparar.

Suzan Frecon, yegua persa marte, 2022. © Suzan Frecon. Foto de Robert McKeever. Cortesía del artista, David Zwirner y Gagosian.

Patrizia Koenig, codirectora de ventas diarias de Phillips New York, explicó que es más fácil hacer tales juicios sobre obras que no son abstractas. Es más simple, dijo, afirmar: "Esta pintura figurativa está perfectamente ejecutada". Estuvo de acuerdo con Garrels sobre el conocimiento y el valor del estudio cuidadoso. "Mucha gente encuentra que la abstracción es un lenguaje más difícil de manejar", dijo. "Al final del día, se trata de entrenar tu ojo, ver lo que te habla... tener una respuesta emocional".

El año pasado, la casa de subastas seleccionó una selección de pinturas, titulada "Mujeres en abstracción", como parte de su mayor venta de arte contemporáneo y del siglo XX, "Sesión de la tarde". Las pinturas de la luminaria del siglo XX Helen Frankenthaler aparecieron junto con obras más recientes de artistas contemporáneos como Lucy Bull, Michaela Yearwood-Dan y Amy Sillman. Los precios variaron, lo que sugiere valoraciones alternativas muy literales de las prácticas de estos artistas.

Helen Frankenthaler, Blue Dance, 1963. Cortesía de Phillips.

Lo que plantea la pregunta: ¿Existe alguna correlación entre cuán "buena" es una pintura abstracta y cuánto cuesta? Koenig piensa que esa es la pregunta equivocada. "El mercado secundario es un reflejo de la demanda", dijo. Un par de factores, si los colores son "comerciales" (los colores brillantes, señaló Koenig, producen mejores resultados en las subastas) y si una obra de arte se parece a una que ya está en la colección de un museo, alientan las ofertas competitivas. Los precios anteriores y el conocimiento especializado informan las valoraciones: las pinturas abstractas de Willem de Kooning de finales de la década de 1970 son codiciadas y alcanzan precios altos, mientras que sus obras de finales de la década de 1950 no son tan valoradas, por ejemplo. Eso no significa necesariamente que una serie sea mejor que otra. En última instancia, ella cree que "'bueno o no' está en el ojo del espectador".

Los propios artistas tienden a hacer preguntas diferentes. "Llegan a un punto en el que sienten que la pintura ha encontrado su voz y su identidad", dijo Garrels. "Dicen: 'Puedo parar ahora'".

Mark Bradford, Nube sobre un campo soleado, 2023. © Mark Bradford. Cortesía del artista y Hauser & Wirth.

El catálogo de la exposición de Gagosian detalla las ambiciones personales de los artistas y las métricas para el éxito. Mark Bradford, explica, aborda la relación entre su trabajo y el mundo fuera de su estudio; él cree que apreciar cualquier pintura abstracta es encontrar un cierto conjunto de valores, perspectivas y políticas. Charline von Heyl espera establecer una "relación de ahora", que el espectador esté "realmente en el momento frente a una pintura y algo sucede"; y Tauba Auerbach quiere que sus pinturas conecten a los espectadores con lo divino, dice el catálogo.

Un enfoque relacional de la pintura subyace en tales evaluaciones. Una "buena" pintura abstracta provoca una respuesta particular del espectador. Sin embargo, incluso aquí hay excepciones: los artistas cuyo público objetivo reside más allá del mundo material. Para la mística sueca Hilma af Klint, sus pinturas eran "buenas" si ellas mismas se comunicaban con la divinidad.

Charline von Heyl, Circo, 2022. © Charline von Heyl. Foto de Jason Mándela. Cortesía del artista y Petzel, Nueva York.

Tauba Auerbach, Grain - Standing Mandelbrot Quartet (Ventrella Variation), 2022. © Tauba Auerbach. Cortesía del artista y Paula Cooper Gallery, Nueva York.

El crítico neoyorquino Peter Schjeldahl revisó la exposición de Klint de 2018 en el Guggenheim e inmediatamente fue "atrapado" por una pintura: "No. 3, Juventud... una hazaña deslumbrante del arte abstracto, cualquiera que sea su motivación", escribió. Schjeldahl describió las formas sugerentes de la pintura, sus colores y su sentido del equilibrio. "El efecto estilístico general es tan fresco que la imagen podría haberse hecho esta mañana o mañana o dentro de décadas", escribió. Sin embargo, el escritor llegó a la conclusión de que era ingenuo pasar por alto los otros lienzos: las pinturas de af Klint funcionan en concierto entre sí. Es su proyecto general lo que es tan digno de mención.

El lenguaje de Schjeldahl es revelador. El crítico, la única persona cuyo trabajo real es, en realidad, decirnos qué es bueno y qué no, quiere ser "atrapado". Esto hace eco de la idea de Garrels de que una buena pintura abstracta exige atención, lo cual, por supuesto, es subjetivo. De hecho, en respuesta a la consulta de este titular, el crítico Jerry Saltz ofreció la respuesta más breve. Él respondió: "Me inclino a decir que lo que hace que una pintura abstracta sea buena es lo que hace que cualquier pintura sea buena: si me gusta".

Garrels rechaza conclusiones tan ordenadas. "La naturaleza de la pintura abstracta es que nunca llegas a un entendimiento completamente resuelto", dijo. "Eso es parte de la emoción. Se mantiene abierto. No hay una resolución final para una buena pintura".